Necronomicon – The Queen Of Death
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Mais uma vez o nordeste toma a frente das demais regiões em se tratando de música boa. Além de ser o nome da banda, Necronomicon é um dos mais afamados livros fictícios criados por Lovecraft, célebre pela literatura de ficção e também como pai do Cthulhu, criatura fictícia horrenda citada como um dos precípuos ‘monstros’ da história. O grupo possui uma sonoridade que poderia ser descrita como, bem, eu diria que algo em torno do Progressive Doom com pitadas da psicodelia de Pink Floyd, se fosse para rotular. Formada por Pedro Ivo Araújo (vocals/bass/synth), Lillian Lessa (guitars) e Thiago Alef (drums), a banda usufrui de seus instrumentos para adentrar numa atmosfera musical onde a mistura de várias influências e principalmente a criatividade são as principais formas de expor o cerne dos músicos. Uma sonoridade bem inusitada e que vem dando certo.
A banda foi formada em 2009 na cidade de Maceió, Alagoas, por Pedro Ivo Araújo, Lilian Lessa e Alexander Moreira. Lançaram somente um álbum pelo selo americano Hydro-Phonic Recods e em 2011 o baterista Alexander Moreira deixou o grupo, sendo substituído por Thiago Alef. Atualmente já terminaram a gravação de seu segundo álbum, intitulado The Queen Of Death que tem lançamento previsto para 2012 em CD e Vinil, também pelo selo Hydro-Phonic.
O LP possui quase 40 minutos de duração que estão distribuídos em 6 faixas, as quais aduzem sons relacionados ao rock progressivo, doom e psychedelic. Essa mistura faz com que as músicas sejam abordadas com uma feição um pouco diferente, tornando o álbum algo muito interessante e prazeroso de ouvir. Apesar da banda ser apenas um trio, o arranjo das músicas é bem evoluído, o que faz com que o timbre de cada instrumento possa ser aproveitado ao máximo por meio de suas composições. O vocal (em inglês) de Pedro beira o ideal para o gênero e completa a elaboração das canções. O cara consegue realizar a função de tocar o baixo e cantar ao mesmo tempo com muita destreza, de maneira com que as duas se tornem destaques. A guitarra é outro ponto interessante do álbum, a distorção pesada dá muitas vezes o lugar aos acordes cheios de efeitos que passam uma certa leveza e quê de psicodelia, contrastando com o peso da bateria.
Obviamente a qualidade de gravação não é super profissional, no entanto, o som dos caras é muito bom e mostra que cada vez mais o nordeste vem se mostrando como recanto para esse tipo de música. Muita gente precisa deixar o preconceito de lado e apoiar esse tipo iniciativa por parte dos músicos em perpetuar a música de qualidade. Give it a listen!
(Hypnotic Overdrive Machine)
*Obrigado ao Pedro por entrar em contato comigo e me mostra o som da banda.
Siena Root – Far From The Sun
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Uma banda com sonoridade clássica, porém original. Siena Root é um grupo de Heavy Blues/Progressive Rock/Stoner/Psychedelic de Stockholm, Suíça, formado por KG West (guitars/organ/synth), Sam Riffer (bass/vocals) e Love “Billy” Forsberg (drums/percussion). A banda teve seu início no fim da década de noventa e já lançaram cinco álbuns até agora, sendo quatro de estúdio e o mais recente composto de vários jams ao vivo. A banda tem a característica de trocar de vocal todo álbum, ou seja, a sonoridade da banda pode sofrer metamorfose junto ao vocal totalmente diferente a cada formação, porém, sem abandonar as raízes da banda que estão fincadas nos gêneros que mencionei antes.
O terceiro álbum de estúdio do trio conta com o exímio vocalista Sartez Faraj (também vocalista da Three Seasons) que proporciona através de seu timbre característico e extremamente trabalhado o melhor da atmosfera e sonoridade do Rock setentista. Far From The Sun, lançado em 2008, é um álbum que mistura o Blues com o Rock Progressivo e Psicodélico de uma maneira muito homogênea, resultado de uma capacidade instrumental do grupo muito elevada. Os vocais de Sartez certamente estão em ‘território’ apropriado, acompanhados de riffs marcantes e de arpejos belíssimos. A estrutura conceitual do álbum é muito simples, três caras tocando seus devidos instrumentos com maestria e conduzidos por um vocal progressivo que alcança as notas mais altas imagináveis. O diferencial está justamente na feição com que fazem isso e na capacidade de transmitirem e reacenderem o rock setentista da maneira mais original possível. O arranjo do álbum conta com uma certa complexidade, vários instrumentos são responsáveis por construírem e fundamentarem os pilares sonoros do grupo, desde citars até flautas e gaitas. Além de tudo isso, eu estaria sendo injusto se não destacasse o trabalho dos principais instrumentos em individual. O baixo é aquele característico do rock progressivo, não deixa os demais instrumentos se sobressaírem, criando através de seu groove e linhas impecáveis a sustentação necessário do álbum, onde a guitarra pode exercer o melhor de seu timbre através de riffs e solos com muito feeling. Não obstante, a bateria também realiza um trabalho notório, viradas e contra-tempos excepcionais são responsáveis pelo toque final nessa obra-prima musical.
Essa mistura de Black Sabbath, Deep Purple e Led Zeppelin condensada em um grupo certamente conta com músicas e álbuns de respeito, transcendendo as barreiras do usual e trazendo um pouco da década de 70 de volta para os nossos ouvidos. Sonoridade massiva que pode ser facilmente confundida com alguma banda da época. Give it a listen!
(Waiting For The Sun)
A Fantástica Maddame – Tapa na Boca
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Uma explosão incomensurável de energia alucinógena direta de São Paulo! A junção dos âmagos de Marco Gonzalez (Voz/Gaitas), Paulo de La Praga (Guitarras/Backig Vocal), Bruno Gimenez ( Bateria/Backing Vocal) e Rick de La Vegha (Baixo/Backing Vocal) proporcionam o melhor do Rock Progressivo, Psicodélico e do Blues com influências sonoras brasileiríssimas.
A banda independente foi formada em 2002 com o âmbito comum entre os membros de espalhar sua arte musicada e seus pensamentos, fazendo shows em casas noturnas para conquistarem seu espaço no cenário nacional. A diligência dos integrantes para propagar o melhor do rock tramado teve resultado e logo estavam com a agenda cheia. De tudo isso veio a experiência e o entrosamento; fundamentais para o grupo pautar suas apresentações em algo performático e impactante, abusando de cores e boas vibrações. Muita harmonia misturada com guitarras distorcidas, clássicas do bom e velho rock n’ roll, juntas ao prestígio do melhor da cultura brasileira permitiram ao grupo que em 2005 fosse gravado seu primeiro LP “Tapa na boca”.
Nove faixas carregam junto consigo a responsabilidade de reacender o cenário progressivo brasileiro, tarefa nada fácil em meio a uma nação muitas vezes néscia. No entanto, o álbum é um prato cheio para os já amantes do gênero, normalmente acostumados a terem que recorrer a bandas gringas para uma satisfação sonora. O arranjo, fruto de uma verdadeira maestria musical, é fundamentado basicamente em distorções nervosas, linhas de baixo incandescentes, uma gaita ensandecida, contra-tempos alucinantes e muitos, mas muitos solos de “cair o queixo” que dividem o espaço e a atenção com os vocais insólitos de Gonzalez que transpiram ardor nas letras galhofeiras e carregadas de perceptibilidade. O disco é uma verdadeira viagem, “Humildade à parte, mas eu quero o meu inteiro e não pela metade” é um belo chute inicial com uma vibe e uma levada bem sessentista, introduzindo o álbum que ainda conta com um pouco mais de meia hora partilhada entre um Blues bem raiz como em “Careta Blues” e “Pagando pra ver” ou um pouco de super progressividade como em “Ninho da mente” ou “Máquina à vapor“. Há até mesmo uma espécie de “forró progressivo” como em “Conselheiro do Sertão“. Em suma, o álbum é um carnaval de influências timbres e sons que abrangem não só Brasil, mas o mundo todo.
O quarteto, que já conseguiu algumas boas posições em festivais de música, é mais um suspiro que o Brasil dá para manter o que resta dos pilares da boa música progressiva nacional, junto a bandas como Anjo Gabriel, Bodoque, entre outras em meio a um universo musical alienado que vivenciamos atualmente. Comprem, apoiem, divulguem as boas bandas porque sem a nossa ajuda toda a atmosfera lisérgica da música nacional vai se exaurir. Give it a listen!
*A banda carece de vídeos de boa qualidade no YouTube, no entanto, vocês podem ouvir todas as músicas aqui.
Yama – Yama Demo
Por: Crystopher
@Kifaaaa
A resenha de hoje será sobre uma banda muito nova no cenário Stoner/Psych mas que trouxe uma demo respect. Yama é um grupo holandês de Utrecht formado por Alex Schenkels (Vox/ bluesharp), Elmer van Engelenburg (Drums), Sjoerd Albers (Guitars) e Peter Taverne (Bass). Os caras tocam desde 2008 e em 2009 chegaram a fazer algumas pequenas apresentações, mas somente depois de trocarem algumas vezes de formação e mudarem o nome da banda para Yama é que começaram a compor novos materiais e usar/readaptar composições da antiga formação.
A banda lançou esse ano uma demo com duração aproximada de dezoito minutos que permeia vários gêneros, que vão desde os mais notórios como Stoner à la 60′s/70′s//Pyschedelic/Doom até o Blues. As 3 músicas da demo abrangem uma sonoridade com um horizonte muito amplo pautado, segundo a banda, em grooves pesados e riffs marcantes. As mudanças súbitas de compasso no meio das músicas são outro ponto forte, onde as composições chegam a clímaces elevadíssimos, como a primeira música que começa com uma pegada bem Dark, estilo Johny Cash e depois se revela num verdadeiro doom. Não esperem uma super produção por trás do álbum com mixagens profissionais e afins, é apenas uma demo de um grupo que está somente começando, mas que não poupa esforços para produzir um som de qualidade.
As influências dos caras são muito perceptíveis; Alex tocava em uma banda de Thrash Metal, Elmer era baterista de uma banda de Post-Punk e Garage-Rock, Sjoerd sempre foi guitarrista de Jazz e o Baixista Peter tocava em uma banda de Metal. A mistura de tudo isso leva ao som peculiar desse quarteto que está eclodindo da Holanda, país que nos últimos tempos vem trazendo grandes nomes para a música como Sungrazer, trio de Stoner/Pysch que lançou recentemente um álbum muito bem recebido pela crítica e blogs especializados. Não distante disso, Yama também vem sendo muito bem recebido pela crítica e tenho certeza que seja lá quando lançarem um LP, vou ser um dos primeiros a ouvir. Give it a listen!
(Hollow)
Brant Bjork – Gods & Godesses
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Onze anos se passaram desde que o Sr. Brant Bjork lançou o Jalamanta, uma masterpiece do desert-rock e um álbum obrigatório na biblioteca de qualquer amante do gênero. Nesse intervalo de um pouco mais de uma década, Brant lançou sete álbuns muito bons, mas que não foram escolhidos para a minha resenha de hoje. No ano passado o baterista da banda ícone do cenário stoner lançou o seu nono álbum em carreira solo intitulado Gods & Godesses. Sem querer menosprezar os álbuns que seguiram Jalamanta, Gods & Godesses reacendeu para mim o verdadeiro potencial de Brant. Estaria essa aparente melhora musical relacionada a sua volta com alguns de seus companheiros do Kyuss para turnês sob o nome de Kyuss Lives! ? Infelizmente essa pergunta só pode ser respondida pelo próprio Brant, mas para mim a sua volta aos palcos sob o nome da banda que praticamente fez o seu nome e o lançou no mundo da música teve sim algum tipo de influência em seus últimos trabalhos de sua carreira solo. Afinal, como o Igor já disse em sua resenha sobre o show do Kyuss Lives!, Brant tinha uma aparente vontade de tocar muito grande, mostrando animação e satisfação com sua carreira.
Gods and Godesses tem tudo que qualquer fã de Brant queria ouvir, com algum pegada de Blues o álbum começa com a faixa Dirty Birds, uma das minhas favoritas, que introduz o que está por vir pelos aproximadamente trinta minutos restantes, solos desnorteantes de guitarra acompanhados do mais belo Wah-Wah, linhas de baixo incríveis e, é claro, uma bateria que só o Sr. Bjork consegue nos proporcionar. Muito groove que parece fluir magistralmente das mãos de Brant e seu vocal inconfundível, adicionado na parte estrutural do álbum uma qualidade incomensurável em seus arranjos. Radio Mecca, a terceira música do LP, possui uma levada meio funky onde Brant parece demonstrar sua melhor encarnação de Jimi Hendrix, jogando na cara de todo mundo o exímio multi-instrumentista que é. O álbum segue com sua insanidade musical até Porto, penúltima música, que aparentemente é uma homenagem ou ao Brasil ou a Portugal, não sei dizer. De qualquer jeito, valeu a tentativa, Brant. Ainda o veneramos!
O álbum acabou de sair, no entanto, suas músicas já parecem clássicos da cena desert-rock, tamanha sua virtude musical. Brant Bjork consegue sempre buscar o tradicional, adicionar a sua pegada e transformar a sonoridade em algo ímpar, o que é completamente esperado de um músico do seu nível, porém, apesar dos anos estarem passando, a única coisa que muda é a idade, pois o talento do cara continua incontestável e sempre nos surpreendendo. Gods & Godesses pode ser o início de um novo período virtuoso na carreira de Brant ou até mesmo um gás para a reafirmação do cenário musical que compôs sua vida. Give it a listen!
*Perdoem qualquer erro, tive que fazer essa resenha correndo para ir fazer o vestibular.
(Radio Mecca)
Ufesas – Ufesas
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Ao contrário do conceito e principalmente do preconceito tido por muitos em relação as bandas que não são da linha América do Norte-Europa serem ruins ou serem desprovidas de alguma coisa devido a localização geográfica, apresento-lhes uma banda de Stoner/Psychedelic chamada Ufesas. Oriunda de Canelones, Uruguai, a banda formada por Diego Mercadal (drums/percussion), Federico Bolagno (vocals/guitars), Joey Mercadal (guitar/vocals), Leandro Machín Rebellato (bass/vocals) começou com apenas um grupo de amigos numa garagem se divertindo através de jams. Atualmente a banda está muito distante disso, pelo menos em se tratando da sonoridade, pois os caras providenciam um stoner de muita qualidade em todos os termos, tanto musicais quanto conceituais.
Lançaram esse ano um LP auto-intitulado que seguiu o lançamento de seu EP de apenas duas músicas lançado em 2009. Muito groove e arranjos descontraídos, porém, de qualidade altíssima, onde o baixo constrói linhas brilhantes acompanhado da bateria enquanto os solos e os riffs criam uma atmosfera caótica, parecem ser o ponto forte do disco. O quarteto aparentemente passeia por entre a linha cronológica da música, apresentando como influência desde a selvageria do The Stooges e os solos lisérgicos de Jimi Hendrix, até um pouco da atmosfera ‘Space-Rockiana‘ dos britânicos da Hawkwind. O vocal de Joey se adapta conforme o clima da música sendo agressivo, mas também calmo e sutil quando necessário.
O Stoner-Rock está frequentemente associado e relacionado ao Blues e mesmo em se tratando de uma banda Latina o costume não é quebrado aqui. Não entendam isso como uma falta de personalidade do quarteto, o grupo tem um quê muito forte e muito amplo para ser explorado e, quanto maiores e diversas as influências, mais completas e possivelmente complexas se tornam as suas composições. O arranjo é pautado na repetição de riffs, o que na música é denominado de Drone. Esse estilo musical, provavelmente difundido na música popular pela banda de psychedelic rock The Velvet Underground, possibilita uma hipnotização sonora quando junto aos timbres e ouvintes certos.
O grupo uruguaio apresenta nesse LP , que segundo eles foi gravado em uma tarde de inverno de Agosto, quase 30 minutos do melhor do stoner groove e do feeling psicodélico que certamente irão servir de base para futuros lançamentos muito mais trabalhados e amadurecidos dessa banda promissora que completa nosso pequenos tour de Quinta, Sexta e Sábado pela América do Sul, aqui no LSD, com as bandas Cultura Tres, Dorgas e Ufesas. Não é necessário ir tão longe para se ter música de qualidade. Give it a listen!
(Dead Town Blues)
*O álbum pode ser baixado de graça no Bandcamp da banda clicando aqui.
Cultura Tres – El Mal Del Bien
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Toda a opressão sofrida pela America Latina junto ao ódio pelas nações que se dizem superiores contida em um álbum dessa banda venezuelana chamada Cultura Tres. A banda de Sludge/Doom muito influenciada por Black Sabbath e Sepultura (é muito melhor) formada por Alejandro Londono (vocals/guitar), Juan Manuel de Ferrari (guitars/vocals), Alonso Milano (bass), David Abbink (drums) lançou recentemente o álbum El Mal Del Bien que traz 12 faixas (incluindo dois covers, um do Black Sabbath e outro da banda Epitafio) do mais cru, doentio e nervoso Sludge possível.
Lançaram um EP em 2007 chamado Seis que possibilitou um reconhecimento na América do Sul, mas somente em outubro de 2008 com o lançamento de seu debut LP La Cura que a banda conseguiu uma notoriedade mundial. Com o sucesso que veio a partir daí e com grandes turnês que realizaram, o grupo amadureceu e obteve diversas influências pelo seu caminho ao longo do mundo todo, assim como também conseguiu uma notoriedade maior em meio as mídias, tanto impressa quanto digital. Em 2010 o quarteto voltou aos estúdios para começarem a preparar seu segundo LP, assunto da review de hoje.
El Mal Del Bien, lançado no começo desse ano, consegue trazer uma atmosfera muito mais sombria do que seu lançamento anterior, dessa vez a banda focou em produzir algo direto, que tivesse a cara do povo daqui. O disco incorpora elementos do Death Metal, Thrash, Dark Psych e até mesmo do Folk. Com um timbre característico, afinação jogada lá em baixo e com músicas bem down-tempo os caras criam uma atmosfera sul-americana que consegue reunir todos os povos em uma zona em comum para o melhor da sonoridade do Doom Metal. É muito perceptível, especialmente na música que abre o álbum “Propiedad de Dios”, o vocal com o estilo característico do ex-vocalista do Alice in Chains Layne Staley, talvez pelo timbre parecido, talvez pela peculiaridade arrastada, mas principalmente porque ambas as bandas conseguem transmitir o melhor da depressão sombria através de seus vocais marcantes juntos aos instrumentos afinados abaixo da afinação padrão. Enquanto os instrumentos, tocados com a devida perícia, criam a atmosfera Doom, acompanhados às vezes de batuques e sons tribais, o vocal de Alejandro se sobrepõe perfeitamente ao arranjo para criar uma combinação magistral que aparentemente gera a sonoridade mais obscura que a América do Sul já viu.
Assim como Ehecatl, projeto do Thomas Bellier, Cultura Tres não falha em transmitir todo o clima sombrio por trás do nosso continente culturalmente vasto. Uma banda com um futuro promissor dentro do cenário do Sludge/Doom que só tem a crescer daqui pra frente. Give it a listen!
(Propiedad de Dios)
*O álbum pode ser baixado pelo preço que você escolher (isso inclui de graça) no Bandcamp da banda que você pode acessar clicando aqui.
Caspian – Tertia
Por: Crystopher
@Kifaaaa
É sabido que todos os anos, devido a uma maior difusão do gênero e um número cada vez maior de bandas, os lançamentos de post-rock aumentam numa escala desmesurada, porém, a qualidade nem sempre segue a mesma regra. Felizmente Caspian é uma banda de respeito que vem trazendo bons trabalhos, que devem ser enxergados como não somente uma adição ao cenário do post-rock, mas sim como um acréscimo de qualidade na música contemporânea e, se depender da sonoridade e qualidade deles, junto com Long Distance Calling, If These Trees Could Talk, Russian Circles, God Is An Astronaut, etc o mundo vai sempre ter o melhor do gênero para desfrutar. Apesar dos caras não se declararem como uma banda de Post-Rock, eles sem dúvida atraíram e continuam atraindo muitos fãs do gênero.
O grupo oriundo de Beverly, Massachusetts, que é atualmente um sexteto conta com Philip Jamieson (guitar/keyboards), Calvin Joss (guitar), Chris Friedrich (bass), Joe Vickers (drums), Erin Burke-Moran (guitar), Jonny Ashburn (guitar) e já lançaram dois LP’s até agora. Formada em 2003, começou como qualquer outra banda, produzindo material, gravando demos e realizando um pequeno número de shows, sendo que em 2004 a banda ainda não havia escolhido o nome Caspian e procurava inclusive um vocalista, ideia descartada mais tarde. Logo passaram a abrir para bandas maiores e finalmente se arrojaram ao mundo, lançando além de EP’s seu primeiro álbum em 2007 intitulado The Four Trees, sendo seguido em 2009 pelo álbum tema da review de hoje, chamado de Tertia.
Às vezes é muito difícil para nós, pessoas que trabalhamos nossos olhares técnicos e críticos em cima de algum trabalho, analisarmos uma obra friamente, somente do ponto de vista técnico e conceitual. Caspian é uma dessas bandas que trazem algo a mais junto a sua música, não podemos simplesmente analisar sua obra da maneira tradicional, devemos ouvir e ouvir de novo para captarmos tudo que o grupo tem a nos dizer através de seus arranjos, pois os caras conseguem atingir mais do que somente aos nossos ouvidos com suas melodias homéricas que transcendem as harmonizações populares, há um mundo em potencial a ser revelado quando ouvimos essa junção desatinada de estruturas musicais suntuosas. Apesar do álbum não ser tão pesado, podemos dizer que sua sonoridade beira o post-metal, o grupo trabalha muito em cima do épico em suas composições, fazendo com que cada música pareça uma jornada que travamos contra algo ou alguém para sobreviver. Além das guitarras que providenciam o melhor da ambientalidade e das linhas de baixo que dão o peso por trás do som etéreo, a bateria funciona não somente como um acompanhamento para a sonoridade celestial, mas sim como complemento, pois cada batida e cada virada parecem preencher todos os vazios por trás do arranjo essencialmente melódico. O LP é intenso e abunda de ótimos clímaces por entre sua musicalidade envolvente, tornando a experiência de ouvi-lo algo sempar e provavelmente distinto da maioria dos parâmetros relacionados ao cenário. Outro ponto positivo é que o disco, que foi gravado em epenas duas semanas, é notavelmente objetivo e traz em seus 58 minutos de duração 10 faixas que não superam os 9 minutos, divergindo daquelas músicas extremamente longas que em alguns casos não chegam a lugar algum no decorrer de seus desenvolvimentos.
Ao contrário daqueles que dizem que o post-rock está se exaurindo e que suas veias não pulsam mais como antes, eu digo ‘filtre’ melhor o que você está ouvindo, pois apesar do grande número de bandas que apenas se dizem adeptas ao gênero, há também as despretensiosas que certamente trazem em seus trabalhos músicas tão incríveis quanto os melhores do gênero e, que assim como Caspian, conseguem te conquistar. Give it a listen!
(The Raven)
Tame Impala – Innerspeaker
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Psicodelia da terra dos cangurus! Tame Impala é uma banda formada por Kevin Parker (vocals/guitars/bass/drums/keyboard), Jay Watson (drums/keyboard/guitars) e Dominic Simper (percussion/bass/guitar) e ainda conta em apresentações ao vivo com Nick Allbroock (bass). O grupo foi formado em 2007 e lançou dois EP’s , em 2008 e 2009, antes de lançarem seu debut LP intitulado Innerspeaker em 2010. A sonoridade da banda australiana está relacionada ao neo-psych, dream pop e ao rock alternativo em geral.
O grupo foi formado a partir de outra banda de Kevin Parker, chamada Dee Dee Dums, que já tinha um certo reconhecimento e já havia ganhado algumas boas posições em festivais. Algumas mudanças na formação e depois de trocarem o formato de dois guitarristas para o formato básico (bass,drums,guitar) o grupo mudou o nome para Tame Impala. O trio foi ganhando sucesso e logo em seguida começaram a aparecer as oportunidade de tocarem com grandes nomes do gênero, tais como The Black Keys, MGMT e You Am I, além de se apresentarem também em festivais mais renomados.
Existem muitas coisas a serem percebidas e destacadas nesse álbum em meio ao turbilhão de timbres e sons. A começar, o LP não deixa de ter a característica retrô, devido a sonoridade remeter muito ao que se ouvia na década de 60, fortemente influenciado por bandas como Cream e Jimi Hendrix Experience (ambas bandas de rock psicodélico dos anos 60),há também toda aquela vibe stoner misturada com British Pop e a exoticidade dos arranjos contemporâneos. O vocal de Kevin, comparado frequentemente ao Beatles John Lennon, se encaixa perfeitamente nas melodias criadas pelas linhas de baixo e pela guitarra com delay e phasers que juntos formam a excentricidade sonora audível na multi-dimensionalidade lisérgica arrastada pelos 53 minutos do álbum. O trio consegue capturar e transpor em suas músicas toda a complexidade da atmosfera psicodélica e a elevar a um patamar etéreo onde os solos de guitarra à la 60′s convergem primorosamente com os teclados para dar uma ambientalidade peculiar as tracks do disco.
As 11 músicas do disco envolvem um território complexo, que muito pode ser explorado quando o escutamos. Diversos sons proporcionam a característica que frequentemente denominamos como ‘trippy‘, devido a sua capacidade de nos fazer relaxar e viajar mentalmente para os lugares mais distantes imagináveis, tudo isso apenas através da música, uma droga que infelizmente nem todo mundo consegue sentir os efeitos. Tame Impala se mostra uma banda promissora e depois de um primeiro lançamento tão bem recebido como esse, só podemos esperar o melhor de seus próximos trabalhos. Give it a listen!
(Solitude Is Bliss)
(Expectation)
Stoned Jesus – Stormy Monday EP
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Sabemos que a maioria de vocês está envolvida com o vestibular nesse domingo e por isso não terão tempo para acompanhar o blog. Para não deixar o dia passar em branco, trouxe um EP de uma banda promissora chamada Stoned Jesus (belo nome, não?). O grupo Ucraniano conta com Nikolay (bass), Alex (drums) e Igor Krobak (guitar/vocals) que trazem um som voltado pro Stoner-Doom/Sludge com fortes influências de Black Sabbath, Sleep e Eletric Wizard.
A banda começou como um projeto paralelo de Igor e depois de um tempo virou seu projeto principal. Lançaram algumas demos e esse ano lançaram um EP de apenas 25 minutos chamado Stormy Monday, que conta com quatro tracks, sendo que duas são a mesma música, porém uma é versão completa e a outra é editada. Vocais fortes e abrasivos de Igor junto aos riffs cativantes da banda fazem com que esse EP seja uma companhia simpática (mesmo que simpática seja um adjetivo estranho para descrever uma banda de Doom/Stoner) para os fãs do gênero . Destaque para a música Drunk & Horny que lembra Motörhead, uma das bandas precursoras do metal vomitado, e para a música que dá título ao EP Stormy Monday, por possuir um conjunto de riffs e vocalizações agradáveis junto também a alguns belos solos de guitarra em seus 10 minutos de duração na versão estendida.
Depois de lançararem seu EP, a banda saiu em turnê e atualmente está gravando seu segundo lançamento, provavelmente um LP programado para início de 2012.
Stone Oak Cosmonaut – Out of Orbit
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Há tempos que queria escrever uma review sobre esse grupo e hoje finalmente consegui. Stone Oak Cosmonaut é uma banda holandesa independente da província de Utrecht que produz um som relacionado ao Space-Rock e ao Stoner-Rock, mas que incorpora elementos de vários outros gêneros em suas músicas, tais como Metal, Psychedelic e Progressive. Muito influenciado pelos riffs clássicos do Stoner e pelo groove característico da banda britânica de Space-Rock Hawkwind, o trio formado por Fred Stacker (guitars), Von Trippenhof (bass/synth/vocals) e Peter Molendijk (drums) lançou dois álbuns até agora e o seu debut álbum de 2009 intitulado “Out of Orbit” será o assunto dessa review.
Out Of Orbit não tem esse nome à toa, o álbum é extremamente bem produzido, e produzido especialmente para quem quer dar uma viajada das boas. A banda é relativamente nova e já produz um som impressionante, de respeito. Isso acaba sendo um destaque, pois os caras fazem música como se já estivessem por aí há pelo menos uns 20 anos produzindo sons de qualidade. Talvez isso possa ser explicado pois o nome “Von Trippenhof” pode ter soado familiar para algumas pessoas. O cara tocou por um período nos anos 90 na banda anglo-holandesa de rock experimental The Legendary Pink Dots, provável fonte de toda essa aparente experiência. Outro ponto forte da banda é a capacidade de aliar os sintetizadores aos sons às vezes pesado de seus jams, sem deixar o som saturado e sintético, evitando assim aquela sonoridade enjoativoa e artificial muito comum em bandas sem personalidade e qualidade. Os instrumentos são tocados com maestria, é possível sentir a química e o entrosamento entre o baixo e a bateria em faixas como Out of Orbit - Earthless que começa com arpejos na guitarra acompanhados de sintetizadores e da voz calma de Trippenhof para introduzir uma dobradinha entre a bateria e o baixo que preparam os ouvintes para o clímax da música, uma entrada arrasadora da guitarra de Stacker, que segue até o fim da música com um timbre que remete ao gênio da guitarra Jimi Hendrix tocando sua guitarra ensandecidamente. Outra faixa destaque do álbum é a música Out of Orbit – Star Voyage, um jam de 15 minutos que sucede Earthless e que juntas compoem o momento stand-out, ápice do álbum. Os vocais graves e profundos de Trippenhof completam o arranjo e dão um diferencial ao LP, transmitindo a escuridão do universo que pode ser sentida nas músicas e nas transmissões de rádio que frequentemente aparecem por entre as faixas.
Os quase 70 minutos de mind-blowing tracks do álbum dispostos em 9 faixas são o suficiente para qualquer um se apaixonar pelo gênero e pela banda que produz um som de altíssima qualidade conceitual e técnica, que ao final deixam aquele sentimento de ‘quero mais’, mesmo após mais de 1 hora de insaniedade musical. Give it a listen!
(Out of Orbit-Eathless)
(Out of Orbit-Star Voyage Pt. 1/2)
(Out of Orbit-Star Voyage Pt. 2/2)
Asteroid – Asteroid II
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Pra quebrar um pouco a minha onda de post-rock nos posts que vinha trazendo pra vocês, eu trouxe hoje Asteroid. A banda Oriunda de Örebro, Suíça, mostra que o país, junto a toda Europa, vem se mostrando potência do gênero. O grupo é uma mistura de Stoner, Blues, elementos psicodélicos e timbres do rock clássico. Formada originalmente por Elvis Campbell e Martin Ström, a banda conta atualmente com Robin Hirse nos vocais e guitarra, Johannes Nilsson nos vocais e no baixo e, por fim, Henrik Jansson na bateria. O trio lançou no começo do ano passado o álbum Asteroid II, que seguiu o lançamento do álbum auto-intitulado da banda em 2007, que por sua vez seguiu o debut álbum da banda em 2006 Asteroid & Blowback.
Apesar da aparente diminuição de peso do grupo, o álbum continua na mesma linha, talvez até mesmo mais pesado. Isso porque, o peso não está diretamente relacionado a distorção e agressividade da bateria, mas sim a maneira com que as linhas de cada instrumento (baixo,guitarra,bateria) interagem umas com as outras para formar o arranjo. Esse álbum é trabalhado em cima do ‘crescendo‘, onde cada música serve de base para a outra, para que a música seguinte, por sua vez, apresente algo a mais, até a track ápice do álbum. Como eu já mencionei antes, o álbum é uma mistura de stoner,blues,psychedelic e elementos do classic rock, tudo isso, especialmente o blues e o classic rock, fazem com que o álbum tenha um feeling retrô, vintage. Não Obstante aos grandes períodos instrumentais da banda, o vocal é um destaque do disco. Hirse possui um timbre marcante, que junto aos riffs down-tempo da banda, dão o quê do grupo me lembrando inclusive, em pequenos trechos, eu disse pequenos trechos, Johny Cash. Aliás, em matéria de riffs, devido a maioria deles serem down-tempo, a banda lembra em alguns momentos os pais do gênero stoner, Kyuss.
Em meio as faixas, há um espécie de trilogia entre as músicas, River, Lady e Towers não apresentam uma quebra que diferencie o começo e o fim de cada faixa. Com destaque para Lady que entre as 3, e provavelmente entre o álbum todo, é a música mais up-tempo do disco, sendo uma das minhas preferidas junto a música de abertura do álbum “Garden” que apresenta um dos melhores riffs que já ouvi na vida. Os pontos fortes desse lançamento são a criatividade do grupo que permitiram a criação de riffs muito marcantes, os vocais fortes de Hirse acompanhados em alguns momentos por uma faixa de áudio com um vocal tenor e outras vezes por um barítono que ajudam a compor a vibe do álbum e o feeling vintage das músicas. Um LP muito sólido que traz uma musicalidade acima da média, vale muito a pena ouvir. Give it a listen!
(Garden)
(Karma)
If These Trees Could Talk – If These Trees Could Talk
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Ocupando o mesmo patamar de Long Distance Calling em se tratando de grandiosidade musical e qualidade no cenário de Post-Rock (apesar de ser mais difundida) o quinteto formado por Tim Fihe (bass), Jeff Kalal (guitars), Cody Kelly (guitars), Zack Kelly (guitars) e Mike Socrates (drums) oriundo de Akron, Ohio, está na ativa desde 2000 e praticamente 6 anos atrás, em 2006, lançaram seu debut álbum auto-intitulado, um EP que traz 6 músicas instrumentais do grupo com duração de aproximadamente 30 minutos.
O If These Trees Could Talk consegue se sobrepor musicalmente a maioria dos lançamentos de outras bandas ainda hoje, pois em se tratando de criatividade o EP foi visionário e conseguiu ir além das fronteiras existentes na época, que não é necessariamente o mesmo que dizer que a música dos caras é super complexa, mas sim que o caráter de criatividade dos músicos permitiu que fossem criados arranjos surpreendentes que chegaram nas graças dos amantes do post-rock devido a sua beleza. A banda conta com 3 guitarristas permitindo uma ambientalização de acordes e notas muito maior, ampliando as dimensões musicais e transformando a experiência de ouvir o som da banda numa verdadeira viagem de introspecção e ousadia auditiva para compreender as linhas musicais criadas em meio a vastidão de sons proporcionados pela junção insólita de timbres obscuros.
Apesar de uma duração relativamente curta o álbum é extremamente sólido em relação a musicalidade e não falha em prender a atenção do ouvinte, pois desde o primeiro segundo o álbum joga você numa panela e te prende num universo vasto de sons atmosféricos, etéreos e que variam desde a nota mais calma até o acorde mais épico e sua melancolia, passando sentimentos de drama, tensão e paixão que tornam o álbum extremamente envolvente do ponto de vista psicológico e emocional. Um grande feito para um primeiro lançamento, muito expressivo, rico em valores e influências. O EP é extremamente recomendado para fãs do melhor do cenário do post-rock e para quem procura um som de qualidade distinto dos demais. Give it a listen!
(Malabar Front)
My Sleeping Karma – Tri
Por: Crystopher
@Kifaaaa
My Sleeping Karma é uma mind-traveling band fundamentada principalmente no psychedelic/progressive/space-rock. Originários de Aschaffenburg, Alemanha, o quarteto formado por Matte (bass), Seppi (guitar), Steffen (drums), Norman (dashboard), lançou em 2010 pela Elektrohasch Records, seu terceiro e provavelmente mais bem sucedido álbum, que recebeu o nome de Tri.
Ao contrário do nome simples, a sonoridade da banda é muito mais complexa e bem arranjada, composta de grooves psicodélicos com muita energia cósmica e emocional os caras te fazem entrar numa viajem que mistura as levadas do stoner com muita influência progressiva e toques de space-rock.
O Tri é constituído basicamente de arpejos guiados por uma linha de baixo extremamente coerente com a proposta da banda, uma mistura tão certa e conveniente que acaba virando o destaque do álbum. Em algumas horas, o climax da música se revela quando a guitarra assume a distorção e eleva o arranjo a um patamar épico e muito agradável aos ouvidos. O som multi-dimensional da guitarra progressiva junto ao peso de cada batida da bateria dão o toque necessário por trás do arranjo; tornando o som atmosférico, etéreo e espacial envolto de timbres riquíssimos, algo calmo e outrora envolvente para se ouvir. Tudo isso, tocado de uma maneira muito particular, permite que a banda se destaque em meio a tantas outras que surgiram nos últimos tempos e que se aproveitam do gênero para tentar sucesso com músicas ‘água com açucar’. Um disco sólido de aproximadamente 40 minutos dispostos em 9 faixas com uma vibe introspectiva, além de muito bem balanceado entre gêneros que vale muito a pena ouvir. Give it a listen!
(Brahamas)
(Sarasvati)
Anjo Gabriel – O Culto Secreto do Anjo Gabriel
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Provavelmente o passo mais longo que o Brasil já deu para adentrar no mundo do rock progressivo e psicodélico em toda sua patética história nesse país. A banda Anjo Gabriel, nativa de Pernambuco, Recife, teve a ousadia de inovar e aprofundar para produzir sons e timbres que todas as bandas nacionais do gênero até agora falharam, pelo menos em sua grande maioria. Houve bandas boas? É claro que houve! Mas talvez não boas o bastante, ao menos não para nos deixarem com alguma esperança de vermos o cenário psicodélico no país tomar um rumo mais favorável e merecido, para que quem sabe num futuro, mesmo que distante, sejamos referência para o restante do mundo, a ponto das notas tropicais ecoarem por todos os continentes em meio a todos os fãs da psicodelia e do rock progressivo.
A fonte de toda essa minha esperança vem da banda pernambucana que usa e abusa tanto da sonoridade dos anos 70, que leva a todos nós pensarmos que o grupo está simplesmente parado, estagnado 40 anos atrás. André Sette (teclados), Cris Ras (guitarras), Ch Malves (bateria) e Marcos da Lata (baixo) formam o quarteto hippie que não somente toca, mas vive e respira em cima da imagem e música que transmite. O grupo que já está na ativa há em torno de 5 anos, lançou nesse ano seu primeiro álbum O Culto Secreto do Anjo Gabriel. O LP traz em suas 6 faixas algo em torno de 70 minutos, em sua maior parte instrumental, de tudo que há de mais ácido, progressivo e psicodélico diluído em seus arranjos. O álbum é tão dinâmico e bem feito que eu não sei nem por onde começar ou o que destacar, todos os instrumentos estão integrados de uma forma tão eficiente e coesa que ficaria difícil analisar tudo separadamente. O que eu posso dizer é que todos os músicos dominam seus instrumentos a ponto do arranjo beirar a perfeição. Além de riffs excelentes e de toda versatilidade caótica de improvisos, o álbum, horas pesado e horas devidamente calmo, ainda conta com vocais (que aparentemente remetem a vocalização hare krishna) em algumas faixas como Mantra III e Astralysmo.
O álbum que vem sendo alvo de críticas excelentes pela mídia especializada chegou para acender uma chama no coração de quem já estava jogando a toalha para a música brasileira. Provavelmente esse LP vai ser seu melhor amigo tanto em dias de Sol quanto em dias de chuva, ou tanto em dias agitados quanto monótonos , porque seja lá o que você estiver fazendo, vai ficar ainda melhor ao som dessa insanidade musical que esses hippies carismáticos nordestinos nos trazem. Rezemos para que a história desse grupo não se resuma em somente um álbum como já aconteceu tantas vezes, porque se você for brasileiro e fã desse tipo de música, não há como não se orgulhar e venerar essa gema nacional, ainda mais que tão rara! Abrace esse disco e mergulhe nos anos 70. Give it a listen!
(Peace Karma)
(Sunshine in Outer Space)
Ehécatl – Ehécatl
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Ehécatl é um Deus asteca relacionado ao vento e também o nome do novo projeto de Thomas Bellier. O guitarrista da banda francesa Blaak Heat Shujaa entrou em contato comigo e gentilmente me ofereceu uma promo kit do s/t da dupla do qual terei o maior prazer de falar sobre.
O álbum possui 30 minutos divididos em 6 faixas inspiradas na etnicidade e mitologia asteca produzidas pelo duo de bass/drums Thomas B. e Timotheé Gacon, respectivamente guitarrista e baterista da BHS. Provavelmente se os astecas tivessem trilha sonora ela estaria associada a esses caras, tamanha a capacidade deles captarem e incorporarem em suas composições a atmosfera pré-colombiana e a transformarem em algo sombrio, etéreo, atmosférico e ainda assim pesado.
O disco permeia o psychedelic/doom temático, proposta totalmente nova adotada por Bellier e Gacon que resulta em um som de ótima qualidade, tanto em arranjos, riffs contagiosos e letras, no entanto, sem abandonar aquela vibe tradicional e marcante do Blaak Heat Shujaa de desert rock etéreo, transmitido especialmente pelo timbre dos instrumentos e pelo vocal de Bellier. O projeto que possui Thomas desta vez no baixo, conta inclusive com sitars na faixa “The Wrath of Tepeyollotl”, papel do convidado Michel Kristof. Mas o que estaria uma sitar fazendo num álbum temático sobre a mitologia asteca já que o instrumento não tem nada a ver com a cultura mesoamericana associada ao álbum? Bom, o fato é que os arranjos produzidos por ela combinam de forma muito acentuada com as linhas de baixo e percussão, produzindo uma sonoridade muito agradável que apesar de aparentar ser uma pequena quebra de conceito, deixa o EP ainda mais rico e interessante.
Em suma, o álbum é uma ótima pedida para quem está por dentro do cenário desert/psychedelic devido ao seu caráter hipnotizante e também a sua qualidade em todos os aspectos, tanto musicais quanto étnicos. Sem dúvida, apesar de ser um projeto de apenas dois caras, eles não medem esforços para nos proporcionarem músicas de qualidade. Um verdadeiro ritual de meditação que vale muito a pena ser ouvido. Give it a listen!
Da esquerda para a direita: Thomas Bellier e Timotheé Gacon
**Gostaria de agradecer novamente ao Thomas Bellier, guitarrista da Blaak Heat Shujaa, por ter entrado em contato comigo e me enviando o material, ressaltando assim a importância da participação de todos vocês parar tornarmos o blog melhor a cada dia.
(vou ficar devendo vídeo pois como o álbum ainda é muito novo ele ainda não foi compartilhado amplamente, porém, vocês podem escutar o som dos caras no bandcamp deles.)
The Hanna Barbarians – Syzygy
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Antes de qualquer coisa eu gostaria de me desculpar por ter deixado o sábado do blog passar em branco. Como vocês (provavelmente não) devem saber, meus amigos bloggers aqui do LSD me deixaram sozinho com o blog e foram para São Paulo assistir um show do Kyuss e ir no SWU. Eu, morrendo de inveja por minha vez, estive em um compromisso de família e fiquei away da internet desde as 7 da manhã até as 2 da madrugada. Portanto, peço as devidas desculpas aos nossos seguidores e frequentadores pela falta de material exposto aqui. Mas tudo bem, vamos ao que interessa!
The Hanna Barbarians é um sexteto de Psychedelic/Blues formado por Blake Parish (vocals/harmonica), Alex Zobel (guitars/vocals), Raef Payne (guitars/vocals), Tyler Fleming (drums/percussion), Chris Evans (bass) e Kris Luther (guitar/percussion/mandolin) originária de Fort Worth, Texas. Às vezes não somente com um visual mas também com uma sonoridade muito qualitativa as bandas dos anos 70, o THB viaja na linha do tempo através de influências do cenário atual e passado da música nos presenteando com canções completas e muito bem formuladas. Provenientes de uma região onde a música country é muito popular, o grupo parece atropelar a cultura local compondo melodias de seus próprios interesses, voltados para um rock bem original e raw na pegada.
Formado em 2009, o grupo era primeiramente apenas um conjunto de músicos que se encontravam para compor material ao acaso, adquirindo mais tarde o vocalista Blake Parish que proporcionou a banda uma elevação de nível para que pudessem finalmente progredir no cenário musical. Depois de várias tentativas com outros músicos a banda achou sua formação mais confortável e começaram a gravar material. Disso surgiu o debut álbum da banda, um LP denominado Syzygy, que lhes rendeu a oportunidade de serem contemplados pelo jornal FW Weekly como melhor álbum e melhor performance ao vivo do ano.
O álbum que foi lançado esse ano é coerente com o que a banda define como rótulo: psychedelic blues de primeira. O LP possui também suas partes mais melódicas como em Trudy ou até mesmo em Heatstroke que tem uma pegada mais alternativa, porém é no psych blues que o grupo está fincado. Através de um timbre limpo na guitarra com os devidos efeitos, principalmente wah-wah, o grupo, junto a todos os outros instrumentos igualmente well played, no leva por entre sua ótima produção, vocais incríveis e letras muito bem escritas em um passeio obscuro, criativo e hipnótico gerado pelo Heavy Psych. Uma banda que se destaca no atual ambiente musical e que merece a devida atenção pelo seu ótimo trabalho. Give it a listen!
(Hair of the Dog)
(All We Export)
Mars Red Sky – Mars Red Sky
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Um dos meus primeiros posts dedicados a um stoner com uma sonoridade mais, vamos dizer, “raiz”.
Em uma noite quando Julien Pras se encontrou com Jimmy Kinast em um clube, viram Benoit Busser tocando bateria e imaginaram a banda que poderiam formar a partir daí para “alcançar suas fantasias musicais”, segundo eles. Impressionados com a qualidade e técnica de Busser, resolveram entrar em contato. Na época, Julien estava promovendo o quinto álbum da sua, até então, banda e queria muito uma sonoridade psicodélica com muito reverb, desejo almejado também pelo baixista Jimmy, que já havia tocado em diversas bandas sem sucesso. Depois de alguns ensaios, os três obsedados pelo rock dos anos 70 formam a banda francesa de stoner/psychedelic Mars Red Sky, com Julien Pras nas guitarras e vocais, Jimmy Kinast no baixo e Benoit Busser controlando as batidas da bateria.
No dia 11 de Abril desse ano lançaram seu debut álbum auto-intitulado que está chamando atenção pela qualidade musical. O grupo mistura riffs setentistas com um tom pesado para criar um arranjo metódico e repetitivo junto a vocais hipnotizantes que completam a atmosfera psicodélica. Muita melodia e groove de qualidade é o que esse álbum de 7 faixas nos oferece em seus quase 40 minutos de duração; Julien consegue incorporar em sua voz um tom agradável que permeia a hipnose e, junto a bateria, o baixo tem um papel importante que funciona não somente como um acompanhamento, mas como uma extensão dos riffs que Julien executa na guitarra. Uma banda que vale a pena conhecer, já que pouca gente está a par de seu trabalho e que promete muita coisa boa daqui pra frente, ao menos é o que se pode esperar depois de ouvir esse ótimo disco. Give it a listen!
(Strong Reflection)
(Marble Sky)
Julien Pras e ao fundo Jimmy Kinast e Benoit Brusser.
Kylesa – Static Tensions
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Quantas bandas com dois bateristas você conhece? Phillip Cope (vocals/guitars), Laura Pleasants (vocals/guitars), Corey Barhost (bass/keyboards/vocals), Carl MgGinley (drums) e Tyler Newberry (drums) formam atualmente o quinteto de Sludge Metal conhecido pelo nome de Kylesa.
Na ativa desde o ano 2001, a banda de Savanah, Georgia (Também lar da banda de Sludge/Progressive Metal Baroness), que já passou por várias formações teve seu início quando Phillip Cope, o ex-baixista Brian Duke e o ex-baterista Christian Dopken chamaram Laura Pleasants para fazer parte do seu antigo grupo chamado Damand, que já era conhecido na cena local, mudando assim o seu nome para Kylesa. Começaram no mesmo ano a gravar seu primeiro disco auto-intitulado e tocar junto a bandas como Mastodon e Cream Abdul Babar. Dias depois o até então baixista do grupo, Brian Duke, morre devido a um ataque epilético. Em homenagem a ele, o grupo termina de gravar o LP , agora com um baixista local substituindo Duke e acrescentando mais duas faixas ao disco. O debut é lançado em 2002 e a banda sai em turnê com a Mastodon. O segundo disco surge em 2005, depois da banda já ter gravado mais alguns Splits e EP’s, intitulado “To Walk a Middle Course”. Depois de lançado o disco, o baterista Brandon Baltzley sai do grupo, dando lugar a dois bateristas: Jeff Porter e Carl MgGinley. 1 anos mais tarde o quinteto lança seu terceiro disco, “Time Will Fuse It’s Worth” e em 2008, Jeff Porter sai e é substituído por Eric Hernandez que grava com a banda em 2009 o álbum de maior sucesso do grupo, Static Tensions, que teve uma maior capacidade de difundi-los.
Desenho criado por John Dyer Baizley, vocalista e guitarrista da Baroness
O Static Tensions foi o divisor de águas para a banda que já vinha batalhando por um maior reconhecimento há 3 álbuns e 8 anos, além de os levar a outro patamar musical. As duas baterias que o grupo possui permitem a eles um som bem atmosférico, com batidas percussivas e que fazem da sonoridade do quinteto algo extremamente original. Um som massivo e nervoso carregado de melodia dão o toque brilhante ao disco. As faixas têm os vocais alternados entre Laura e Phillip Cope. Vocês devem estar pensando “Pera aí, como assim um som massivo e nervoso? Não é uma mulher no vocal?”. Amigos, a Laura pode ser mulher em todos os aspectos, menos enquanto está presenteando nossos ouvidos com o vocal abrasivo e poderoso dela. Junto a isso existe um bass com muito fuzz e uma guitarra poderosa guiando os arranjos excelentes do grupo. Mas bem, a percepção do disco vai muito além desse aparente barulho que descrevi até agora, o quinteto mistura stoner/psychedelic aos seus sons, conciliando agressividade e trippy fuzzed sounds ao mesmo tempo. Se você curte uma sonoridade bem raw e agressiva, vá em frente e ouça esse disco, que é provavelmente o melhor lançamento da banda até agora. Give it a listen!
(Only One)
(Running Red)
Arc Of Ascent – Circle Of The Sun
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Uma mistura entre Doom, Stoner Metal e um pouco de Space-Rock dão origem a uma banda intensa e muito agradável de se ouvir. Arc Of Ascent é um trio formado no ano de 2008 na Nova Zelândia e atualmente está situado em Hamilton, Nebraska. Craig Williamson (bass, vocals), Sandy Schaare (guitars) e John Strange (drums) formam o grupo que é outro projeto do multi-instrumentista, Craig Williamson, conhecido pelos trabalhos com a banda Datura e o projeto solo em Lamp Of The Universe, do qual já fiz uma breve e pequena review, que você pode conferir clicando aqui.
Em 2010 lançaram o debut álbum da banda e, como sempre, Williamson não deixa a desejar, distribuindo a boa afinação de seu vocal pelas faixas do álbum. O trabalho inteiro consiste em riffs monstruosos e massivos, o disco inclusive apresenta algumas influências dos sons do projeto solo de Craig (Lamp Of The Universe) com alguns trechos tímidos de sitar por entre as faixas. O LP possui uma harmonia de sons, entre riffs massivos e acordes de sitar, a psicodelia também ganha vez tomando conta da ambientalidade do álbum. Grooves e trippy guitars que se repetem dão ao álbum aquela vibe hipnótica que ao contrário do que vocês provavelmente estão pensando, não deixam o álbum enjoativo, mas sim, envolvente.
A gravação é de ótima qualidade e esse projeto que permeia os traços do rock setentista misturado com um stoner doom bem pesado fazem do álbum um trabalho bem satisfatório para quem procura um som de primeira com letras bem escritas e uma instrumentalidade clássica do gênero.
(Universal Form)
Da esquerda para a direita: Sandy Schaare e Craig Williamson
Craig Williamson e o baterista John Strange ao fundo
Baroness – Blue Record
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Baroness é um quarteto de Sludge/ Progressive Metal originalmente de Lexington, Virginia, mas que se mudou para Savanah, Georgia. A banda que foi formada em 2003 conta com John Baizley (guitars/vocals), Peter Adams (guitars/vocals), Summer Welch (bass) e Allen Blickle (drums). Até hoje os caras possuem 3 EP’s ( First, Second & Grey Sigh in a Flower Husk) e também 2 álbuns lançados (Red Album & Blue Record).
Em 2007 a banda lançou seu primeiro LP, o Red Album, gravado no mesmo ano. Elogiado pela crítica, o álbum obteve boa pontuação e foi eleito o álbum do ano pela Heavy Metal Magazine Revolver. Dois anos mais tarde, em 2009, a banda começou a gravar seu segundo LP, o Blue Record. Lançado também no mesmo ano, o LP conseguiu uma crítica ainda mais favorável, com ratings muito altas, chegando assim a primeira posição no Billboard HeatSeekers e também eleito como disco #1 do ano pela Decibel Megazine. Frequentemente relacionada com Mastodon, devido a ambas serem bandas excelentes de Sludge/ Progressive Metal, guitarras inteligentes e uma bateria trabalhada até o máximo fazem do Baroness um grupo extremamente maduro, que sabe o que quer e com uma identidade bem formada.
O Blue Record é capaz de transmitir quase que perfeitamente a habilidade dos músicos em criar arranjos extremamente criativos, algo que torna o disco praticamente insuscetível a enjoo. Músicas que vão desde extensos períodos instrumentais até os intensos vocais de Baizley justificam a boa recepção do álbum. Musicalidade intensa captada em 12 faixas totalizando 44 minutos, os quais podem ser os mais intensos e apreciados momentos de Progressive Metal de sua vida, deixam ao final uma grande expectativa para o novo álbum da banda previsto para final de 2011 ou início de 2012.
Uma obra pautada em detalhes que precisa ser ouvida muitas vezes para uma compreensão total de sua qualidade e instrumentalidade variada. Give it a listen!
Baizley é também pintor e responsável pela arte do álbum.
(Jake Leg)
(The Gnashing)
Temple of the Dog – Temple of the Dog
Por: Crystopher
@Kifaaaa
O Temple of the Dog foi uma banda grunge que lançou um álbum homônimo em 1991, formada por Chris Cornell (vocalista do Soundgarden), Eddie Vedder (atual vocalista do Pearl Jam), Stone Gossard, Jeff Ament (ambos ex-Mother Love Bone e atuais Pearl Jam), Mike McCready e Matt Cameron (Pearl Jam). A banda foi formada depois que Chris Cornell escreveu algumas letras em homenagem a um de seus grandes amigos e colega de quarto, Andrew Wood, vocalista carismático e extremamente promissor da Mother Love Bone, que teve sua carreira brilhante e prestes a despontar interrompida quando foi encontrado por sua namorada no dia 16 de março de 1990 em seu apartamento, vítima de overdose de heroína. Wood morreu três dias depois, em 19 de março de 1990 deixando uma grande vazio para todos.
Depois da morte de Wood, Chris Cornell reuniu Stone Gossard e Jeff Ament que tocavam juntos com Andrew na Mother Love Bone para fazer o álbum em cima das canções compostas por Cornell em tributo ao amigo (Reach Down & Say Hello 2 Heaven) reunindo também mais material composto por Chris em sua turnê pela Europa. Junto a eles, Chris chamou Matt Cameron, o então baterista da sua banda, Soundgarden, para participar também junto aos novatos, Eddie Vedder e Mike McCready da composição do LP.
O álbum que levou apenas 15 dias para ser gravado é em sua maior parte extremamente melancólico e suas músicas tem um grande impacto emocional. Foi a primeira experiência e contato com a gravação de um ábum, tanto para Vedder quanto para McCready que desempenham papéis importantíssimos no disco, incluindo um solo de mais de 5 minutos de Mike e vocais impressionantes de Eddie nas canções, especialmente no dueto com Chris Cornell, também responsável pelos vocais do álbum, em “Hunger Strike”. Além disso o Long Play é extremamente sólido em seu arranjo, o baixo e a bateria são condizentes aos músicos que os tocaram, que viriam a ser mais tarde reconhecidos pelo seus trabalhos notórios em uma das principais bandas de Seattle, Pearl Jam.
Desprovidos de preocupação, já que o álbum não tinha nenhum intuito muito comercial, com muita energia e espontaneidade os músicos criaram um dos melhores discos dos anos 90, com muito feeling e criatividade. O álbum que conta com 10 faixas e 54 minutos de duração, só veio a ganhar algum reconhecimento maior mais de 1 ano depois de seu lançamento, quando as pessoas perceberam que se tratava de um trabalho colaborativo entre duas bandas, Pearl Jam e Soundgarden, que naquele momento já haviam alcançado a mainstream. Ainda assim, mesmo recebendo ótimas críticas o álbum é relativamente desconhecido e todos os apaixonados por música, especialmente pelo gênero, deveriam ouvi-lo. Give it a listen!
(Say Hello 2 Heaven)
(Hunger Strike)
Viaticum – Trip me Tender
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Trouxe hoje para vocês mais uma banda de Space – Rock, e mais uma vez, ela é da Suiça. Viaticum surgiu com dois caras, Michael Holer e Pascuali di Moli, tocando guitarra em uma celeiro, mais tarde, juntaram se a Orso el Bueno,o baixista, e finalmente, em 2004, conheceram o baterista Bastian Weird, formando assim o grupo Viaticum, que dedica suas melodias e arranjos ao Psychedelic e ao Space-Rock.
Alguns meses atrás lançaram seu primeiro EP, com 6 músicas e 46 minutos de duração. Com uma sonoridade relativamente pesada, o álbum começa com a música que dá título ao EP. “Trip me Tender” é uma faixa inteiramente instrumental que mostra o trabalho sólido do grupo, já em seu primeiro lançamento, com uma instrumentalidade muito bem executada capaz de nos fazer dar aquela viajada pelo espaço. A partir da segunda música todas as faixas possuem vocal, muito bom por sinal. Os então, 38 minutos restantes de música oscilam entre melodias pesadas e ambientalidades muito trippys com vocais que são extremamente compatíveis ao gênero. Outra coisa perceptível é a ausência de sintetizadores, tradicionais em bandas de Space – Rock, que não influem nem um pouco na capacidade do álbum te fazer viajar, ficando tudo em conta das belíssimas guitarras, do groove do baixo e do excelente trabalho na bateria.
O EP está disponível FOR FREE no Bandcamp da banda, que vocês podem acessar e baixar clicando aqui.
Screaming Trees – Dust
Por: Crystopher
@Kifaaaa
Formada em Ellensburg, Washington no ano de 1985 pelo vocalista Mark Lanegan, pelo guitarrista Gary Lee Conner, pelo seu irmão, o baixista Van Conner e pelo baterista Mark Pickerel, substituído mais tarde por Barret Martin, o quarteto fez parte do movimento grunge dos anos 90 e poderia ter sido uma das principais bandas, ao lado de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, Soungarden, entre outas. Porém, não foi bem assim. Por algum motivo, enquanto as outras bandas era aclamadas pela massa, o Screaming Trees eram os típicos nerds, deslocados. O Sucesso poderia ter vindo em 1996 com seu sétimo e último álbum, Dust, no entando, a turnê ( que contou inclusive com Josh Homme na guitarra rítmica) foi curta e o disco não teve o reconhecimento merecido e, 4 anos mais tarde, depois de já terem entrado em hiato, a banda acabou.
Dust bate de frente com qualquer outro lançamento da cena grunge de Seattle, dessa vez, mais maduro que os antecessores, o álbum destaca a qualidade dos membros como instrumentistas com faixas que não carecem nem um pouco de criatividade e inspiração. Arranjos excelentes, feeling, harmonia e tudo mais que um ótimo disco tem direito. 10 faixas distribuídas em 44 minutos, com os devidos destaques para “Look at You” que foi escrita em homagem ao Kurt Cobain, “Witness” (que é a minha preferida, ao lado de “All I Know”) e “Dying Days”, que tem o solo tocado pelo guitarrista do Pearl Jam, Mike McCready. Músicas que você provavelmente sempre quis escutar e nunca teve a chance estão nesse álbum. Uma combinação entre os vocais suaves e profundos de Mark, as guitarras super trabalhadas e agradáveis de Gary Lee, ao baixo elaborado do seu irmão, Van Conner e a bateria muito bem tocada por Barret fazem do disco um prato cheio para os apaixonados pelo movimento. Give it a Listen!
(Witness)
(Dying Days)
Gary Lee Conner, sempre muito ativo em palco.
Crystopher
Vitor
Igor
